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The author analyzes appropriately selected historical films of Steven Spielberg and Andrzej Wajda with respect to historical memory in relation to film. Cultural and moral foundations of national identity are also taken into account. Spielberg films particularly valuable for this comparative analysis are: «Schindler’s List», «Amistad», «Saving Private Ryan» and «Lincoln»; crucial Wajda films include: «Korczak», «Holy Week», «Katyń and Wałęsa». These works are analyzed in relation to the problem of representing the Holocaust, self-scrutiny in historical memory, commemoration of sacrifices for the national community during war, and foundation myths evoked through national heroes. The larger thematic framework for the above concerns is the underlying sense of covenant present within the two national communities that Spielberg and Wajda draw upon, a sense that explores the possibility of moral renewal under contemporary circumstances.

Die Schweiz weist in ihren vier Sprachregionen ein überaus vielfältiges Theaterleben auf. Diese Vielfalt zu Gesicht zu bringen und dabei über Grenzen zu gehen, Theaterwelten und Theatersprachen miteinander in Verbindung zu setzen, ist Anliegen dieses Buches. Es erscheint zu einem dreifachen Jubiläum: 90 Jahre Schweizerische Gesellschaft für Theater-kultur (SGTK), 60 Jahre Hans-Reinhart-Ring, 25 Jahre Institut für Theaterwissenschaft der Universität Bern (ITW).

Avec quatre régions linguistiques, la Suisse dispose d’une vie théâtrale très métissée. Cet ouvrage ambitionne de peindre cette diversité, de lui donner un visage et d’ainsi dépasser les frontières, de faire se rencontrer des univers et des langages théâtraux multiples. Sa parution coïncide avec un triple anniversaire : les 90 ans de la Société suisse du théâtre (SST), les 60 ans de l’Anneau Hans Reinhart et les 25 ans de l’Institut d’études théâtrales (ITW) de l’Université de Berne.

Il paesaggio teatrale della Svizzera quadrilingue è estremamente variegato. Il presente volume intende mettere in luce questa pluralità, oltrepas-sando i confini e ponendo in relazione tra loro i differenti universi e linguaggi teatrali. L‘occasione è data da un triplice giubileo: i 90 anni della Società Svizzera di Studi Teatrali (SSST), i 60 anni dell’Anello Hans Reinhart e i 25 anni dell’Istituto di Scienze teatrali dell’Università di Berna (ITW).

In 1961, Martin Esslin named a body of plays that lacked plot, character depth, and details of time and space the "Theatre of the Absurd". Esslin explained that this type of theatre, minimalist in the extreme, constituted a response to the existential crisis of Europe, which was in the midst of recovering from World War II. But the fact that this body of theatre lacked details of time and space means that we may break the ties that anchor the Theatre of the Absurd irremediably to the historical context of post-World War II Europe.

How can the Theatre of the Absurd speak meaningfully to us in the twenty-first century? This book explores this question by combining the avant-garde that Martin Esslin named in 1961 in his signature work The Theatre of the Absurd with gender studies, queer theory, and psychoanalysis, and avant-garde studies. The Theatre of the Absurd is capable of subverting post-millennial institutions and ideologies, including the Prison Industrial Complex and the West’s domination of the Islamic world in a post-9/11 era.

This book vividly evokes for the reader the sound world of a number of European cities in the last year of the Second World War. It allows the reader to «hear» elements of the soundscapes of Amsterdam, Dortmund, Lwów/Lviv, Warsaw and Breslau/Wrocław that are bound up with the traumatising experiences of violence, threats and death. Exploiting to the full methodologies and research tools developed in the fields of sound and soundscape studies, the authors analyse their reflections on autobiographical texts and art. The studies demonstrate the role urban sounds played in the inhabitants’ forging a sense of identity as they adapted to new living conditions. The chapters also shed light on the ideological forces at work in the creation of urban sound space.

Qu'est-ce qu'un visage ? Qu’une tête ? C’est à ces questions que Marwan (1934-2016) s’est confronté dans sa démarche artistique en commençant par la figure humaine pour explorer inlassablement le visage. Si ce dernier, traité horizontalement, est reconnaissable dans ses traits, la tête, effigie verticale, s’efface.

Le présent livre s’appuie sur la biographie du peintre dont le langage artistique s’est élaboré entre Damas et Berlin, et sur une étude transculturelle qui questionne le thème du visage dans son œuvre. L’accès à sa problématique picturale a été rendu possible grâce aux sources premières : dessins préparatoires, écrits et entretiens entre l’auteure et l’artiste durant les dix dernières années de sa vie.

Nourri de la double culture orientale et occidentale, Marwan participe au questionnement du visage humain dans ses métamorphoses par rapport à l’absence, à l’inanimé, au voilement-dévoilement, au même et à l’autre, au singulier et à l’universel.

What is the Gothic?

From ghosts to vampires, from ruined castles to steampunk fashion, the Gothic is a term that evokes all things strange, haunted and sinister.

This volume offers a new look at the world of the Gothic, from its origins in the eighteenth century to its reemergence today. Each short essay is dedicated to a single text – a novel, a film, a comic book series, a festival – that serves as a lens to explore the genre. Original readings of classics like The Mysteries of Udolpho (Ann Radcliffe) and Picnic at Hanging Rock (Joan Lindsay) are combined with unique insights into contemporary examples like the music of Mexican rock band Caifanes, the novels Annihilation (Jeff VanderMeer), Goth (Otsuichi) and The Paying Guests (Sarah Waters), and the films Crimson Peak (Guillermo del Toro) and Ex Machina (Alex Garland).

Together the essays provide innovative ways of understanding key texts in terms of their Gothic elements. Invaluable for students, teachers and fans alike, the book’s accessible style allows for an engaging look at the spectral and uncanny nature of the Gothic.

Die in Ostpreußen in Ziegelbauweise entstandenen Dorfhäuser, Siedlungshäuser, Förstereien und ländliche Villen bilden im heutigen Ermland und Masuren den wesentlichsten Teil des deutschen Bauerbes. Dieses Erbe bringt eine komplexe Problematik mit sich – es fand hier nicht nur ein gewaltsamer Einwohneraustausch statt; auch die bautechnische und nutzungstechnische Seite des Ziegelbaus bleibt von den jetzigen, polnischen Bewohnern unbekannt. Die Autorin greift in ihrem Buch diese Problematik auf. Sie beschreibt die historischen Häuser in Ermland und Masuren und schafft somit das erste Architekturstudium dieser Bauten. Im Schlussteil des Buches beantwortet sie Fragen nach den Zukunftsperspektiven für den ostpreußischen Ziegelbau.

In 1991, Boyz N the Hood made history as an important film text and the impetus for a critical national conversation about American urban life in African American communities, especially for young urban black males. Boyz N the Hood: Shifting Hollywood Terrain is an interdisciplinary examination of this iconic film and its impact in cinematic history and American culture. This interdisciplinary approach provides an in-depth critical perspective of Boyz N the Hood as the embodiment of the blues: how Boyz intimates a world beyond the symbolic world Singleton posits, how its fictive stance pivots to a constituent truth in the real world. Boyz speaks from the first person perspective on the state of being "invisible." Through a subjective narrative point of view, Singleton interrogates the veracity of this claim regarding invisibility and provides deep insight into this social reality. This book is as much about the filmmaker as it is about the film. It explores John Singleton’s cinematic voice and helps explicate his propensity for a type of folk element in his work (the oral tradition and lore). In addition, this text features critical perspectives from the filmmaker himself and other central figures attached to the production, including a first-hand account of production behind the scenes by Steve Nicolaides, Boyz’s producer. The text includes Singleton’s original screenplay and a range of critical articles and initial movie reviews.

Wenn in Bezug auf Theater vom Als-ob die Rede ist, denkt man in der Regel nicht ans zeitgenössische Theater. Schließlich ist gegen das sogenannte «Illusionstheater», mit dem diese Rede für gewöhnlich assoziiert wird, seit Beginn des 20. Jahrhunderts einiges unternommen worden. Zahlreiche Beispiele zeigen jedoch, dass das Als-ob keineswegs obsolet geworden ist. Illusion, mitunter auch Täuschung, ist im zeitgenössischen Theater Realität – auch dort, wo es nicht um die Darstellung fiktiver Realitäten geht, sondern um die Auseinandersetzung mit der Realität der Aufführungssituation als solcher. Die Beiträge dieses Bandes gehen verschiedenen Realitäten der Illusion im zeitgenössischen Theater nach und fragen nach den Konsequenzen, die sich daraus für die Theaterwissenschaft ergeben.

Grundlage der in diesem Band gesammelten Studien ist der überlieferte Bestand an Aufführungsmaterialien des Musiktheaters in Hamburg. Besonderheiten des Stadttheaters gegenüber Hoftheatern betreffen u. a. den Spielplan, das Publikum und die Kritik. Musik im Theater wurde zu verschiedenen, auch politischen, Anlässen als Kommunikationsmittel mit dem Publikum genutzt. Die Bühne diente auch dem Aufbau eines Konzertwesens, dessen Veranstalter und Programme sich allmählich änderten. Die frühe Aufführungsgeschichte und Rezeption des «Freischütz» in Hamburg ist für die seit 1815 ersehnte «Nationaloper» von Interesse. Mozarts Opern hatten eine Sonderstellung im Spielplan. Ihr Erfolg beruhte auch auf ihren Bearbeitungen als «deutsche» Opern. Deren Veränderungen, exemplifiziert am «Dom Juan», erhellen die Erwartungen des Publikums.