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Dafydd Sills-Jones, Jouko Aaltonen and Pietari Kaapa

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A Fashionable Style

Carl von Diebitsch und das maurische Revival

Francine Giese and Ariane Varela Braga

Als ein globales Phänomen des 19. Jahrhunderts belegt das Maurische Revival die Faszination westlicher Architekten für das islamische Erbe von al-Andalus. Dieses spielte eine zentrale Rolle im Werk Carl von Diebitschs (1819-1869), der als einer der ersten deutschen Architekten die nasridischen Bauten Granadas, die spektakulären Paläste der Alhambra, den Alcázar von Sevilla und die Moschee-Kathedrale von Córdoba in den Jahren 1846-1847 vor Ort studierte und ihren ornamentalen Reichtum in zahlreichen Bleistiftskizzen und Aquarellen festhielt. Vom 27. Oktober 2017 bis zum 10. Januar 2018 werden Carl von Diebitschs Architekturstudien und Bauentwürfe im Rahmen der im Architekturmuseum der Technischen Universität Berlin stattfindenden Ausstellung „A Fashionable Style. Carl von Diebitsch und das Maurische Revival" erstmals in Deutschland gezeigt. Die vorliegende Publikation wurde begleitend zur Ausstellung konzipiert und bietet einen vertiefenden Blick auf die gezeigten Exponate und thematischen Schwerpunkte. Der Fokus liegt dabei auf Carl von Diebitschs Jahren an der Berliner Bauakademie, seinen Studien zur islamischen Architektur von al-Andalus und seinen neo-maurischen Bauten und Interieurs in Deutschland und Kairo. Weitere Aspekte sind der Löwenhof als Nukleus des Alhambra-Stils und seine Transformation im 19. Jahrhundert, Owen Jones’ international gefeierter Alhambra Court von 1854, die serielle Reproduktion nasridischer Architektur und Ornamentik in Form von Gipsabgüssen, Architekturmodellen und Möbelstücken oder die Bedeutung von Stuck und Eisen im Werk des preußischen Architekten. Als innovativer Erneuerer gelang Carl von Diebitsch die Revitalisierung der nasridischen Baukunst und ihrer Herstellungsverfahren, die er von Berlin aus in die Welt trug.

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Paul Martin Langner and Agata Mirecka

Ausgehend von dem Gedanken, dass Räumlichkeit im Theater «flüchtig und transitorisch» ist, diskutieren die Autoren die multiple Struktur pluraler Räume in Regiearbeiten und Dramatik der Gegenwart. Neben der klassischen Bipolarität von Bühnen- und Zuschauerraum untersucht das Buch unter anderem Text- und Erinnerungsräume, Wahrnehmungs- und akustische Räume. Die Beiträge betonen, dass theatrale Räume durch Überlagerungen mehrerer Raumprofile gebildet und profiliert, zudem von historischen, gesellschaftlichen, politischen oder sprachlichen Faktoren bestimmt werden. Durch die Instabilität der Räume können fragile Räume durch Stimmen und dem Einsatz von Medien gebildet werden, die über die Bühnenrampe hinausragen und virtuelle Räume schaffen können.

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Series:

Olaf Enderlein

Dieses Buch rekonstruiert die von 1910 bis 1917 reichende Entstehungsgeschichte der 1919 uraufgeführten Oper «Die Frau ohne Schatten» von Richard Strauss und Hugo von Hofmannsthal. Anhand neu aufgefundener Quellen war es möglich, die Arbeitsweise von Strauss zu beschreiben und eine Systematik der Kompositionsskizzen zu erstellen. Die detaillierte Rückverfolgung der Werkgenese umfasst die Eingriffe von Strauss in Hofmannsthals Libretto, eine Klassifikation der einzelnen Skizzentypen sowie eine Darstellung des vielschichtigen Kompositionsprozesses auf der Grundlage der Kompositionsstadien. Die Präsentation des Monologs der Kaiserin im III. Akt in seiner ursprünglichen, durchkomponierten Fassung bietet eine zusammenfassende Erläuterung der Kompositionsweise von Richard Strauss.

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Matthias Kruse

Fritz Jöde (1887-1970) war eine der schillerndsten Persönlichkeiten in der Musikerziehung des 20. Jahrhunderts. Über jene Lebensjahre, die Jöde als Volksschullehrer in Hamburg verbrachte, ist aber nur wenig bekannt. Dieses Buch füllt das Desiderat. Es ergibt sich ein Bild, das Fritz Jöde insbesondere als einen radikal-alternativen Pädagogen zeigt. Ausgehend von Momenten der Kulturkritik und in Abkehr von der überkommenen «Lernschule» vertritt Jöde eine Pädagogik, die den «ganzen» Menschen und die Gemeinschaft in den Mittelpunkt rückt. Letztlich verfolgt Fritz Jöde die Erziehung eines «Neuen Menschen». Hierzu soll die Schule ihren Beitrag leisten, indem sie an die «schöpferischen Kräfte» des Menschen anknüpft und ihn in die Lage versetzt, Zukunft «unbedingt» zu gestalten.

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Benjamin Britten als Friedenskomponist

Perspektiven zur Musikvermittlung

Series:

Sarah-Lisa Beier

Die Autorin untersucht interdisziplinär, ob der britische Komponist Benjamin Britten auch als Musikpädagoge verstanden werden kann. Ausgehend von seiner pazifistischen Grundhaltung analysiert sie ausgewählte Friedenswerke seines Œuvres: von einer bis dato unveröffentlichten Kompositionsskizze und seinem «wahren Opus Nr. 1», «Our Hunting Fathers», bis hin zum populären «War Requiem». Musikalisch-dramatische Analysen legen pädagogische Intentionen offen. Hieran anknüpfend zeigt die Autorin Perspektiven zur Musikvermittlung für erwachsene Laien auf. Das hierzu entwickelte didaktische Konzept möchte Einführungsveranstaltungen im Konzertbetrieb bereichern und auch denjenigen Besuchern Brittens Kompositionsprinzipien zugänglich machen, die keine Notenkenntnisse besitzen.

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Spirituality and Music Education

Perspectives from Three Continents

Series:

June Boyce-Tillman

This book is the product of a long journey by a company of academics and practitioners sharing a common interest, titled the Spirituality and Music Education Group (SAME). It started at the International Society for Music Education Conference in Bologna in 2008, with its first gathering in Birmingham in 2010. This book is a product of the various meetings of this group. Since the group formed, the notion of spirituality has been struggling to find a way through the dominant ideology of secularisation in the West to a place in a post-secularising world.

This book concentrates on examining this issue from the position of music educators on three continents. This process can be defined as both separate from as well as part of the dominant Christian and humanist traditions, whatever is appropriate in a particular culture. The book represents a fascinating array of lenses through which to examine the many and complex strands within the concept of spirituality.

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Bruno Munari

The Lightness of Art

Series:

Pierpaolo Antonello, Matilde Nardelli and Margherita Zanoletti

Bruno Munari was one of the most important and eclectic twentieth-century European artists. Dubbed the «Leonardo and Peter Pan» of contemporary art, he pioneered what would later be labelled kinetic art, playing a key role in the constitution and definition of the aesthetic programmes of groups such as Movimento Arte Concreta and Programmed Art. He became an internationally recognized name in the field of industrial design, winning the prestigious «Compasso d’Oro» prize four times, while also being a prominent figure in Italian graphic design, working for magazines such as Tempo and Domus, as well as renowned publishing companies such as Einaudi and Bompiani. He left an indelible mark as an art pedagogue and popularizer with his famous 1970s artistic laboratories for children and was the author of numerous books, ranging from essays on art and design to experimental books.

Capturing a resurgent interest in Munari at the international level, the exceptional array of critical voices in this volume constitutes an academic study of Munari of a depth and range that is unprecedented in any language, offering a unique analysis of Munari’s seven-decade-long career. Through original archival research, and illuminating and generative comparisons with other artists and movements both within and outside Italy, the essays gathered here offer novel readings of more familiar aspects of Munari’s career while also addressing those aspects that have received scant or no attention to date.

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'Hear My Song'

Irish Theatre and Popular Song in the 1950s and 1960s

Joseph Greenwood

A major obstacle for the scholar of theatre is the ephemerality of a dramatic performance. How can we know the specifics of an event that has been and gone, an occurrence that can never be repeated? This book proposes that by considering the use of songs within a dramatic production we can gain a deeper understanding of past performances, especially with regard to their communal reception. Why did a playwright employ a certain song? How might it have affected an audience? Arguing that certain song types constitute forms of collective memory, the author explores Irish theatre from the 1950s and 1960s to show that songs are a valuable means by which we can gauge changes in the popular consciousness. By necessity, songs mutate so that they can continue to express and affirm collective memories and therefore fit the zeitgeist of their socio-cultural contexts.

Through its detailed research, this book demonstrates that retrospectively analysing the dramatic employment of well-known songs not only helps us better understand the performances and reception of a selection of Irish plays, but also challenges orthodox narratives of Éamon de Valera’s Ireland.

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Les modernes d’Egypte

Une renaissance transnationale des Beaux-Arts et des Arts appliqués

Series:

Nadia Radwan

Cet ouvrage explore un moment clef du développement de l’art moderne égyptien, lorsque sont définis les fondements d’une nouvelle pratique artistique au début du 20ème siècle. Basé sur un important travail de terrain mené en Egypte et sur des documents d’archives jusqu’ici inexplorés, il se centre sur une génération de peintres et de sculpteurs appelés les pionniers (al-ruwwad). Formés dans des institutions telles que l’Ecole des Beaux-Arts du Caire, leur production s’inscrit dans un mouvement de renaissance artistique et reflète les multiples interactions transculturelles entre l’Egypte et l’Europe. Cette étude offre ainsi un regard nouveau sur ces artistes qui ont posé les jalons du modernisme égyptien et met en lumière une production jusqu’ici peu étudiée. Tandis que l’on aborde aujourd’hui l’histoire de l’art dans une perspective globale à la lumière de circulations, d’échanges et de réseaux, elle offre un point d’ancrage permettant de mieux appréhender les dynamiques et les enjeux actuels de l’art contemporain au Moyen-Orient.

In this book, Nadia Radwan explores a key moment of the development of modern Egyptian art, when the foundations of a new artistic practice are defined in the early 20th century. Based on field work and unexplored archival material, this work focuses on a generation of painters and sculptors commonly referred to as the pioneers (al-ruwwad). Trained in institutions, such as the School of Fine Arts in Cairo, their production is inscribed in a project of artistic renaissance and reflects multiple transcultural interactions between Egypt and Europe. This publication thus re-evaluates these artists that opened the path to Egyptian modernism and sheds light their yet understudied production. While art history is now approached in the perspective of circulations, exchange and networks, this book offers a background to a better comprehend the dynamics and stakes of contemporary art in the Middle East and intends to contribute to the cartographic constellation of a world art history.