El libro, de lo material a lo simbólico

Otra faceta del libro que no podemos olvidar es su capacidad para favorecer la confluencia y la integración de las artes. A lo largo de la Edad Moderna, el grabado se convirtió en la principal herramienta de los pintores para dar a conocer su producción de una manera amplia. En la época de su no reproductibilidad técnica, la obra de arte –especialmente la pintura– encontró en las artes gráficas un aliado con fines publicitarios, pero la relación era de mutuo beneficio. Los grabadores –en un momento en el que la producción de una estampa estaba perfectamente compartimentada, separando la labor del dibujante de la del abridor de planchas– se sirvieron sin reparos de reconocidas obras pictóricas para reproducirlas; los derechos de autor no existían. Nerea Senra Alonso estudia cómo se producen estos trasvases del lienzo al papel centrándose en la edición de las Metamorfosis del impresor François Foppens (Bruselas, 1677). El estudio, además, permite retomar la evolución de las artes gráficas y aproximarnos a una época, el siglo xvii, y a unas escuelas, Países Bajos y Flandes, que despuntaron en el empleo del grabado a buril y que marcaron las más altas cotas del grabado calcográfico de este periodo.

Del lienzo al papel y del papel a otros soportes como la propia arquitectura. La literatura emblemática se encuentra entre las creaciones que mejor sintetizan la confluencia de texto e imagen. Desde que fueran publicados los primeros Emblemas por Andrea Alciato (1531), esta fórmula literario-icónica acabó inundando todos los estratos de la cultura en la Edad Moderna, lo cual desbordó los límites del libro. Las fachadas de los palacios también podían convertirse en hojas en blanco destinadas a ser “leídas”. Así sucede en el caso estudiado por Óscar Juan Martínez García, la Casa Grande de Almansa, cuya portada presenta una serie de elementos iconográficos que son un reflejo de la literatura emblemática que una buena parte de la sociedad de la época había aprendido a “leer”.

Por otra parte, este juego de trasvases también puede suponer un viaje de ida y vuelta. En este sentido, Pedro J. Martínez Plaza nos ofrece un recorrido por las principales ediciones ilustradas que se publicaron a lo largo del siglo xix de la obra literaria de Francisco de Quevedo; las ilustraciones incluidas en estas publicaciones ejercieron una gran influencia en los pintores de la época y fueron utilizadas como modelos para diferentes pinturas con esta temática literaria.

Llegado el periodo de las grandes guerras y de la propia Guerra Civil española, el desarrollo del mercado editorial que se había puesto en marcha se detiene; pero el libro, desde luego, no muere. Frente a las cuidadas ediciones de lujo que habían comenzado a producirse en torno a 1900, ante el panorama bélico el libro parece replegarse en su función más práctica: servir como pobre soporte textual. Sin embargo, el estudio de Alfonso González Quesada sobre los diccionarios y manuales de conversación para los combatientes de la Gran Guerra desvela una realidad más compleja. Estos libros, utilitarios y baratos, podían conllevar también una función más simbólica, propagandística, no tan inocente como la mera función lingüística. Ante la dura realidad de la guerra o de la represión, el libro incluso puede adoptar una función de refugio mental o salvavidas. Caso paradigmático es el de Miguel Hernández durante su encierro en el penal de Benalúa (Alicante). Pablo Sánchez Izquierdo nos presenta su estudio en torno a Dos cuentos para Manolillo, textos infantiles escritos –¿e ilustrados?– por el poeta para su propio hijo. La confluencia de escritores y artistas en este penal, como Ricardo Fuente, Eusebio Oca, Luis Giménez o el propio Miguel Hernández, dio lugar a una interesante producción de cuentos ilustrados que, a modo de cartas, los presos dirigían a sus familias e hijos; creaciones en las que se producía una estrecha colaboración entre los escritores y los ilustradores, quienes escribían y/o ilustraban tanto los trabajos propios como los ajenos. Pese a la guerra, la relación arte-literatura prosigue, mostrándosenos como un modo íntimo y secreto de comunicación con la familia e hijos. No obstante, la aparente inocencia de estos textos vuelve a ser tal, aparente, y esconde bajo las metáforas del cuento y de la ilustración duras reflexiones sobre el cautiverio, la soledad, la ausencia de los seres queridos y sobre aquellos que les mantienen encerrados.

Los ilustradores-pintores cuentan con un bagaje literario que marca su manera de enfrentarse a la ilustración de un texto. No obstante, este libro no podría estar completo sin explorar la relación texto-imagen como un viaje de ida y vuelta, analizando la influencia de las artes plásticas, de la imagen, en el texto literario. Es el caso de la propuesta de Ricardo Marín Ruiz sobre Francisco de Goya y Ernest Hemingway. Con diferentes conflictos bélicos como trasfondo una vez más –la Guerra de Independencia en el caso del pintor español y las mundiales y la Civil española en el caso del escritor norteamericano–, Ricardo Marín profundiza en la influencia de la obra gráfica y pictórica de Goya en la literatura de Hemingway. Este se sirvió de recursos pictóricos del artista aragonés para asimilarlos y crear sus propios recursos literarios, dando lugar a nuevas formas de écfrasis. Se introduce así otra perspectiva más para entender el libro, que puede no estar ilustrado, pero ser pictórico. El texto puede llegar a asumir la visualidad del libro y lo plástico puede estar presente en él.

El libro de arte, si bien no es una novedad de nuestro tiempo más reciente, es otro de los formatos que han servido como espacio de experimentación para numerosos artistas y escritores. Como tal o, más bien, como libro de artista, Arantxa Romero González nos muestra el caso de los carnets del poeta, músico y escritor Brion Gysin. Aquí, el cuaderno se analiza como un dispositivo para la intermedialidad, un espacio único en el que la propia escritura, la grafía, el gesto del escritor –como una nueva forma de action painting– son más que nunca la parte gráfica del libro; lo gráfico se vuelve pictórico, la visualidad es no icónica y la palabra es la imagen. La influencia del valor ritual de la caligrafía oriental está presente en este tipo de obras que, nuevamente, entablan un diálogo entre Oriente y Occidente y que, además, sirven para reivindicar la materialidad de la escritura y del formato del libro; una reivindicación de absoluta vigencia en nuestra era digital. Otra variante actual del libro de arte es el fotolibro, en el cual se centra la investigadora Blanca Torralba Gállego. This Is What Hatred Did, fotolibro (2015) elaborado por Cristina de Middel a partir de la novela de Amos Tutuola My Life in the Bush of Ghosts (1954), supone un peculiar hito en las relaciones texto-imagen. Cristina de Middel es capaz de llevar a la realidad el texto mágico de Amos Tutuola sirviéndose tanto de la fotografía como de los dibujos preparatorios que elabora antes de cada instantánea. La fotografía, aunque concebida como pura creación, adquiere un aspecto documental y de denuncia social, y crea un poderoso contraste de verosimilitud con el texto que ilustra basado en la mitología africana yoruba.