Das moderne Theater in Österreich

An die österreichische Theatertradition (Raimund – Schnitzler – Horváth – Jelinek) knüpft auch Wolfgang F. Hackl an, der die Alpenlandschaft als ein im österreichischen Theater tief verankertes Motiv betrachtet und nach dessen Variationen und Metaphorisierungen in ferner (2018) und rand: ständig (2019) von Martin Plattner sowie Totes Gebirge (2016) von Thomas Arzt fragt. Für Plattner seien mit Eis und Schnee bedeckte Berggebiete allegorische Landschaften, Orte der Einsamkeit und Resignation, Projektionsflächen für die eingefrorenen sozialen Beziehungen und die Gefühlskälte einer jegliche Hilfeleistungen verweigernden Gesellschaft. Arzt benutze die Topographie des Toten Gebirges als Bühne, auf der die durch die Erfordernisse einer Dauerleistungsgesellschaft gebrochenen Individuen agieren. Sein Stück, voller intellektueller Bezüge, sei eine Veranschaulichung der wüsten österreichischen Seelenlandschaft. Für beide Autoren sind mithin die Alpen ein Vorwand für eine weitgehende Kritik der modernen entsolidarisierten Gesellschaft.

Der breit angelegte Beitrag von Joanna Firaza ist den „Beschwörungen des Archaischen und Archetypischen“ im politischen Schocktheater Peter Turrinis gewidmet. Turrini – das Enfant terrible des österreichischen Theaters – suche in der Hinwendung zum Rituellen, Organisch-Animalischen, Ur- und Vorsprachlichen nach emotioneller und geistiger Läuterung. Die Bemühungen des Autors um eine theatralische Katharsis, die an Grotowskis Theater denken lassen, werden an zwei seiner Stücke exemplifiziert: Die Liebe in Madagaskar (1998) und Aus Liebe (2013), die sein Werk zwischen dem traditionellen und postmodernen Theater positionieren und in denen sich Turrini als ein sprachkritischer Dramatiker mit gesellschaftspolitischem Gespür zu erkennen gibt.

Den der Beleuchtung unterschiedlicher Verflechtungen des zeitgenössischen österreichischen Theaters mit seiner progressiven Tradition gewidmeten Beiträgen folgen einige, die das Theater als Ästhetikum und Politikum zugleich betrachten und seine Formen (manchmal kritisch) reflektieren.

Einem anderen theatralischen Konzept widmet Eliza Szymańska ihre Aufmerksamkeit. Sie geht Daniel Kehlmanns Idee des Literaturtheaters auf die Spur, die der Autor in der Rede anlässlich der Salzburger Festspiele 2009 darstellte. In seinem künstlerischen Manifest wandte sich Kehlmann gegen das Regietheater und die beinahe uneingeschränkte Inszenierungsfreiheit des Regisseurs und plädierte für eine werktreue szenische Arbeit. Die Autorin bespricht nicht nur Kehlmanns Programm, sondern auch die kritischen Kommentare zu ihm. Den zweiten Teil des Artikels fokussiert Szymańska auf die Satire Der Mentor (Hörspiel, 2012), in der sich die Konzeption des Literaturtheaters Kehlmanns manifestiere.

Günther A. Höfler beschäftigt sich in seiner eigehenden Analyse mit narrativen Strategien des neosozialen Dramas, das sich durch nichtmimetische Darstellungsweisen und postdramatische Innovationsspiele kennzeichne, was in Realitätsverlust und eingeschränktes Wirkungspotential münden müsse. Die in dem Beitrag untersuchten Theatertexte: Thomas Arzts Alpenvorland (2013), Ewald Palmetshofers Vor Sonnenaufgang (2017) und Gerhild Steinbuchs schlafengehen (2006) verfügen zwar über einen realistischen Plot und einen sozialkritischen Ton, aber durch die Entfernung von sozial Konkretem und das Fehlen einer psychologischen Handlungsbegründung bleibt ihnen das Ästhetische, so dass die Dramen eher poetisch ermüden, statt zu faszinieren.

Frauen und eine genderspezifische Perspektive stehen auch im Fokus des Beitrags von Artur Pełka, der anhand der Theatertexte von Kathrin Röggla (Kinderkriegen, 2012) und Sophie A. Reyer (Mutterbrennen, 2019) über die österreichische Frauendramatik nach 2000 reflektiert. Zwar schreiben beide Autorinnen nicht aus einer radikal-feministischen Perspektive, trotzdem kennzeichne ihre Dramentexte, deren Thematik um die Mutterschaft, gesellschaftlich zugewiesene Frauenrollen sowie Geschlechter- und Machtverhältnisse kreist, ein starker politischer Gestus. Auch wenn sich Röggla ironisch „lausige Feministin“ nennt, höre sie nicht auf, für die politische Emanzipation der Frauen zu plädieren und so in Kinderkriegen entpuppe sie das Kinderkriegen bzw. Nicht-Kriegen als eine der Instrumentalisierungsstrategien der neoliberalen Gesellschaft. In Reyers Theatertext werde wiederum die gesellschaftliche Vererbung von Frauenrollen mit Rekurs auf die Vergangenheit dargestellt, von der es gelte, sich letztendlich zu befreien.

Agnieszka Jezierska widmet ihr Augenmerk zwei dystopischen Dramen, die die Frage der Überalterns behandeln. In George Taboris Stück mit klaren Anspielungen auf die Biopolitik des Dritten Reiches Frühzeitiges Ableben (deutsche Fassung 2001) wird das Recht auf Leben denjenigen abgesprochen, die die Altersgrenze von 50 Jahren überschritten haben, und im satirischen Euthanasiedrama Extasy rave (2003) von Constanze Dennig denjenigen über 80. Die AutorInnen verweisen auf mangelnde Sensibilität, wunde Stellen in der Sozialpolitik und schwindende Solidarität der Generationen. Trotz des komödienhaften Kostüms werde in beiden Theaterstücken eine düstere Diagnose der zeitgenössischen Zustände und eine Warnbotschaft zugleich formuliert.

Bożena Chołuj fragt nach den Beziehungen zwischen literarischen Texten und wissenschaftlichen Diskursen. Literatur, darunter auch Texte fürs Theater, brauchen nicht mittels anderer (wissenschaftlicher Texte) gelesen und interpretiert zu werden, da sie selbst Quelle des Wissens seien und wissenschaftlich begründete Erkenntnisse vermitteln. Anhand der Theatertexte von Krzysztof Warlikowski, René Pollesch und Elfriede Jelinek verweist die Autorin auf das kritische Potenzial des modernen Theaters, das auf die Leistungen der Psychoanalyse, Soziologie, Wirtschaftslehre, der Postcolonial Studies oder Gender und Queer Theory rekurrierend zu einer art/science mit stark gesellschaftskritischem Akzent wird, ohne seine ästhetischen Qualitäten einzubüßen.

In dem Abschluss-Artikel leuchtet Krzysztof Huszcza unterschiedliche Aspekte der literarischen Tätigkeit des 1971 gegründeten niederösterreichischen Autorenkreises PODIUM aus. Seine historisch angelegte Untersuchung liefert zahlreiche Informationen zu Aktivitäten (Lesungen, Debatten, Symposien, Bühnenauftritte, Performances, Ausstellungen, Gründung eines hauseigenen Periodikums „Podium“ und vieles mehr) der Gruppenmitglieder, zu denen viele anerkannte DramatikerInnen, Regisseure, Dramaturgen und SchauspielerInnen gehör(t)en, wie etwa Kurt Klinger, Matthias Mander, Helmut Peschina, Hilde Berger (die bei Grotowski in der Lehre war), Silke Hassler und andere, die sich in ihrem Schaffen auch dem Theater verschrieben haben.

Die in dem Band enthaltenen Beiträge sind Resultat des von dem Institut für Germanistik der Universität Warschau und dem Österreichischen Kulturforum Warschau vom 14. bis 15. November 2019 veranstalteten internationalen wissenschaftlichen Symposiums „Österreichisches Theater nach 2000: Trends, Ideen, Fragestellungen“, das noch einmal zeigte, wie vital und innovativ das österreichische Theater von heute ist, und dass es inzwischen zum festen Bestandteil des europäischen Kulturidioms wurde.